O traje do Homem-aranha de Roy Thomas

 

Roy Thomas e sua primeira esposa Jeanie Thomas no Hallowen de Rutland, VT, em 1969

Roy Thomas é um dos principais roteiristas dos quadrinhos norte-americanos e foi um dos principais editores da Marvel. Ele escreveu praticamente todos os personagens da editora, tornando-se imensamente famoso por seu trabalho em Conan, que ele escreveu por mais de uma década. Mas uma face pouco conhecida do escritor foi revelada pelo blog Hero Envy: Roy Thomas foi também um dos primeiros cosplays da Marvel. Isso graças a um traje que ele ganhou de Sol Brodsky. O traje havia sido encomendado pela Marvel para ser usado por um ator no Desfile de Ação de Graças da Macy's. Mas o ator ficou bêbado e não desfilou. Assim, o traje acabou sendo doado para Thomas, que o usou no Halloween em Rutland, Vermont e em convenções de quadrinhos. 

Thomas usando o traje em uma convenção de quadrinhos, junto com fãs fazendo cosplay dos X-men.

Esse evento era famoso por ter tirado o foco das bruxas e monstros e colocado em seu lugar super-heróis. Pessoas de todo o país iam participar do evento fantasiadas de super-heróis, inclusive gente da indústria. E Roy Thomas foi um dos pioneiros. Roy Thomas chegou a se colocar em uma história dos Vingadores vestindo o traje. 

Roy e sua segunda esposa, Dann Thomas

Em outra história, dos Defensores, ele aparece sem o traje, mas a história se passa no Halloween em Rutland. Ah, a Marvel também doou para o roteirista um traje da Mulher invisível, que foi usado tanto pela primeira quanto pela segunda esposa de Thomas em vários eventos. 

O traje chegou a aparecer até em uma revista da Marvel. 

A cor que caiu do espaço

 

Lovecraft considerava A cor que caiu do espaço como uma de suas melhores obras. Não é por menos: essa novela é um exemplo perfeito de tudo que o autor considerava como ideal em uma história de terror. Segundo ele, tudo que o conto fantástico almeja é pintar, de maneira séria, “o retrato convincente de um determinado sentimento humano”. Segundo ele, a atmosfera, e não a ação, é o que deve ser cultivado no conto maravilhoso.

Em A cor que caiu do espaço, um meteorito cai numa fazenda de onde saem pequenas luzes indefiniveis. Com o tempo o local passa a ser dominado por uma estranha presença, que enlouquece os humanos, envenena as plantas e mata os animais. 

A história é narrada por um engenheiro que vai fazer observação para a construção de uma barragem que irá inundar o local. Ele ouve a narrativa da boca de um vizinho do local onde caiu o meteorito.

É uma construção lenta de ambientação, com os fatos, que inicialmente parecem inofensivos, se acumulado para criar uma a sensação de terror. Lovecraft abusa das descrições que não dizem nada (nos nunca sabemos como eram as tais cores) mas ajudam a criar o clima de estranhamento, uma atmosfera de terror. Mesmo em momentos mais narrativos o objetivo do autor parece ser muito mais criar uma ambientação do que descrever os fatos. Um exemplo: “em um instante febril e caldedoiscópico irrompeu da fazenda condenada e maldita um cataclismo eruptivo de centelhas e substâncias sobrenaturais, que ofuscou a visão dos presentes e lançou em direção ao zênite uma nuvem explosiva de fragmentos coloridos e fantásticos renegados pelo universo que conhecemos”.

Essa história foi publicada em formato de bolso pela editora Hedra em 2011. O volume inclui também dois textos autobiográficos de Lovecraft e um texto sobre a ficção interplanetária.

Batman – Atiraram no senador!

 

No número 85 da revista The Brave and the Bold, Batman se encontrou com o Arqueiro Verde em uma trama política.

A história começa com um senador baleado durante um comício e caindo nos braços de Bruce Wayne. Ocorre que esse senador quer aprovar um projeto anti-crime e com isso gerou a ira do mafioso Miklos Minotaurus, responsável pelo atentado. Mais: o governador quer que Wayne assuma o cargo de senador para votar a favor do projeto (alguém sabe me dizer se realmente é assim que funciona nos EUA?).

A história inica com um atentado. 

Por outro lado, o mesmo mafioso está concorrendo em uma licitação contra a empresa de Oliver Queen, o Lanterna Verde, o que faz com o empresário também sofra um atentado.

Dessa forma, tanto o Arqueiro Verde quanto Batman são envolvidos na história.

Mas esse é um roteiro de Bob Haney e, claro, tinha que ter alguma coisa bizarra.

Bruce Wayne revela que é Batman. 

Tanto Queen quanto Wayne entram numa crise pessoal, incapazes de decidir entre suas identidades civis e super-heroiesca. E o que eles fazem? Vão consultar um psicólogo e revelam suas identidades! Exatamente o mesmo psicólogo (filho do senador baleado logo no início da história). Com essa facilidade com que eles revelam quem são, é surpreendente que alguém ainda não saiba essa informação.

As melhores sequências são com o Arqueiro 

Apesar dessa situação grotesca, a história até que se desenvolve bem, com várias cenas de ação na qual brilha a estrela do desenhista Neal Adams. Algumas das melhores cenas são aquelas com o Arqueiro Verde, o que demostra bem o enorme carinho que o artista tinha pelo personagem. No ano seguinte ele começaria a desenha a antológica série do Arqueiro e do Lanterna, com roteiro de Denni O´Neil.  

Superman – as quatro estações

 

Um dos aspectos mais interessantes do personagem Superman é como ele tem sido objeto das abordagens mais diversas, o que mostra o quanto o herói é, na verdade, complexo. Superman – as quatro estações, de Jeph Loeb (roteiro), Tim Sale (desenhos) e Bjarne Hansen (cores) mostra um aspecto poucas vezes explorado no personagem: a do matuto garoto de interior, o ingênuo habitante da Smallville.

O belíssimo desenho de Tim Sale explora esse lado matuto de Clark Kent, retratando-o como um rapaz enorme com cara de criança. Essa dualidade entre a personalidade ingênua e o enorme poder é detalhado também pelo texto de Jeph Loeb, ao explorar o início da carreira do personagem, quando ele ainda estava descobrindo seus poderes, tinha muitas dúvidas e até medos.

Clark Kent é retratado como um matuto do interior. 

Como o próprio nome diz, a série é dividida em quatro capítulos, cada um ligado a uma estação e cada um narrado por um personagem: Jonathan Kent, o pai adotivo de Clark Kent narra a primavera, Lois Lane narra o verão, Lex Luthor o outono e Lana Lang o inverno.

Essa mudança de foco narrativo é interessante por mostrar o herói sob vários ângulos diferentes.

Nesse sentido provavelmente o capítulo de Lex Luthor é o mais interessante, já que é o ponto de vista de um vilão. É um capítulo sobre ciúmes, sobre como o homem de aço tirou de Luthor o protagonismo em Metrópolis e como este se vinga de forma muito sutil, antigindo o personagem em sua maior fraqueza. O capitulo ironicamente mostra o kriptoniano como alguém muito mais humano que o terrestre Luthor.

Os desenhos de Tim Sale são o grande destaque da HQ. 

Embora o roteiro seja todo certinho, é a arte que se destaca. Tim Sale não só é um desenhista incrível, como é um narrador soberbo, sabendo exatamente como intercalar sequências de vários quadrinhos com splah pages. Aliás, cada página é uma aula de como usar a diagramação como elemento narrativo.

Representatividade nortista no prêmio HQ Mix

Recentemente, eu e minha orientanda de Iniciação Científica apresentamos no 8º Fórum Nacional de Pesquisadores em Arte Sequencial o trabalho Representatividade nortista no Prêmio HQ Mix. Mapeamos a origem geográfica dos vencedores e elaboramos um mapa com a somatória dos prêmios. Duas constatações chamam a atenção: a enorme concentração de premiações na Região Sudeste — em especial no estado de São Paulo — e a escassez de representatividade nortista e nordestina. A maioria dos estados que jamais venceu o prêmio em nenhuma categoria localiza-se nas regiões Norte e Nordeste, apesar da expressiva e rica produção artística dessas regiões. 

Capitão Marvel – Para se libertar do controle

 

Assim que passou por toda a transformação efetuada por Jim Starlin na clássica história Metamorfose, o primeiro vilão que o Capitão Marvel enfrentou foi um lacaio de Thanos chamado Controlador.

Esse ser distorcido implantava aparelhos em pessoas importantes e passava a controlá-las – daí o nome, Controlador. Além disso, ele acumulava em si a força de todas essas pessoas.

O controlador é controlado. 

O personagem é visto em uma cena patética, com todas as pessoas que controla lhe rendendo homenagens: “Obrigado por esse tributo comovente, meus leais escravos!”, diz ele, pouco antes de ser admoestado por Thanos:

“Seu tolo! Disperse essas pessoas imediatamente! Essas pessoas são agentes escravos controlados para serem usados quando eu atacar a terra! Se você estragou o disfarce deles com seu insano estímulo egocêntrico, lançarei a dor e as torturas de uma galáxia na sua alma sombria!”.

A sequência serve para mostrar os temas trabalhados por Starlin na história: a busca de poder, a ganância e, principalmente, a questão do controle social. Afinal, até o controlador é controlado.

O herói tenta convencer o vilão... 

Starlin usa a história como metáfora para pessoas em situação de poder, que abusam dele, mas não percebem que são também vítimas do sistema que acham que controlam.

Starlin chega a colocar herói e vilão conversando: “Estou aqui para lhe contar sobre o mal que causou a si mesmo! Você desperdiça sua energia com sonhos transitórios de grandeza e deixa os tesouros inestimáveis da paz interior e da verdade se esquivarem!”.

... mas no final termina tudo em porrada. 

Mais hippie do que isso, impossível. E o mais surpreendente era ver starlin fazendo isso num gibi de super-heróis.

Claro que, como era um gibi de super-heróis, logo tudo desanda numa porradaria generalizada, o que mostra que, apesar de tudo, Starlin ainda estava sob controle dos desígnios do mercado.

Fundo do baú - Kolchak e os demônios da noite

 

kolchak e os demonios da noite revolucionou os seriados televisivos ao unir policial noir e terror.

A origem da série está no filme The Night Stalker (Conhecido no Brasil como Pânico e morte na cidade), de 1972. O filme era uma adaptação do roteirista Richard Matheson em cima do livro de Jeffrey Grant Rice. O livro e o filme mostravam o repórter Carl Kolchak perseguindo um serial killer que ao final se revelava um vampiro.  

O sucesso desse primeiro filme fez com que o personagem fosse resgatado em uma segunda produção, The Night Stalker  (A noite do estrangulador), de 1972. Como o roteiro era uma total criação de Richard Matheson, ele deu características muito próprias à história, que tornaram Kolchak famoso e levaram à criação da série.

O filme, repleto de humor ácido, narrações no estilo noir, acompanhava o repórter tentando desvendar o assassinato de mulheres em Seattle. Durante a pesquisa, ele descobre que assassinatos parecidos tinham acontecido em outros períodos da história da cidade, num intervalo de 21 anos entre cada sequência.

Boa parte do sucesso do filme, além do roteiro inteligente de Matheson, estava no carisma do protagonista, interpretado de forma magistral por Darren McGavin. Em eterna briga com seu editor, Kolchak usava sempre terno azul, sapato branco e chapéu, o que certamente era um anacronismo em plena década de 1970.

Em 1973 foi elaborado um novo roteiro, de autoria de William F. Nolan, que mostrava o repórter no Havaí, investigando um caso em que cidadãos locais eram substituídos por androides. Darren McGavin odiou o roteiro, brigou com o produtor Dan Curtis e se recusou a interpretar o personagem uma terceira vez. No final, acabou sendo convencido a voltar numa série na qual Kolchak investigava o mistério da semana. A série era ambientada em Chicago e se chamava Kolchak: The Night Stalker (no Brasil, Kolchak e os demônios da noite).

Infelizmente a audiência foi aquém do esperado. Além disso, um processo movido Jeffrey Grant Rice, autor do livro original, fez com que a série tivesse apenas uma temporada, com apenas 20 episódios.

Ainda assim, Kolchak foi com o tempo angariando uma legião de fãs. Entre eles estava Chris Carter, que anos depois faria enorme sucesso com uma série que também misturava policial noir com sobrenatural. O nome dessa série? Arquivo X.

The boys

 

The Boys, HQ criada pelo roteirista Garth Ennis e ilustrada por Darick Robertson é uma daquelas séries tão estranhas, tão fora da caixinha que você jamais imaginaria que se tornaria uma série. Pois não só se tornou, como é uma das melhores séries de super-heróis da atualidade.

Na história, os heróis são celebridades que se preocupam muito mais com a fama e o marketing do que em realmente salvar vidas.

Ennis, conhecido por seu humor ácido e roteiros radicais, leva ao extremo a ideia de que o poder corrompe – e o poder absoluto corrompe absolutamente.

É também um exercício sobre o que poderia acontecer de fato se existissem super-heróis. Há, por exemplo, um grupo de apoio a pessoas que tiveram suas vidas afetadas negativamente pelos heróis. Um dos rapazes, por exemplo, era namorado de uma heroína que se transformava em gelo... e ela congela durante o orgasmo. Consegue imaginar o que acontece com o que estiver dentro dela?

É esse tipo de situação que a série explora, a começar pelo primeiro capítulo, que vemos o personagem Hughie em um momento idílico com sua namorada. Esse momento é interrompido pela aparição do herói Trem-bala: ele passa tão rápido que a moça simplesmente é estraçalhada, restando apenas suas mãos. A cena mostra o rapaz perplexo, segurando a única coisa que restou de sua namorada – uma cena, aliás, muito parecida com a dos quadrinhos.

Vale destacar a caracterização dos heróis, do Capitão Pátria, um personagem super-poderoso que despreza os humanos e parece uma bomba atômica prestes a explodir, ao Black Noir (sim, o nome do personagem é Black Noir!), um vigilante sombrio e violento que nunca diz uma palavra, mas em alguns momentos se mostra sensível a ponto de tocar piano em uma festa.

Nesse mundo em que heróis são celebridades pervertidas envolvidas em estratégias de marketing e conspirações, surge um grupo, The boys, cujo objetivo é enfrentá-los e desmascarar a trama por trás dos heróis, que envolve, por exemplo, drogar bebês.

Aliás, apesar do objetivo correto, os rapazes também não são modelos de virtude e parecem um grupo tão desasjustado com o dos heróis. Nesse sentido, Hughie e Luz-estrela, heroína estreante do grupo de heróis, são o contraponto – duas pessoas bem-intencionadas em um mundo bizarro.

A série aproveita toda a subversão da obra original e, ao mesmo adapta questões que deveriam ser realmente adaptadas e, surpreendentemente, tornou-se um sucesso, um dos carros-chefe do Amazon vídeo.

Uma curiosidade é que o grupo de heróis da série, Os Sete, é nitidamente uma sátira da Liga da Justiça. Há contrapartes do Superman, Mulher Maravilha, Aquaman, Flash e Batman, o que nos leva a uma reflexão: enquanto a sátira da Liga é uma das séries de maior sucesso tanto de público quanto de crítica da atualidade, a DC-Warner, que detém os personagens originais, não consegue fazer um filme decente com eles.

Mestre do Kung Fu contra O Gato

 

Com o tempo, o roteirista Doug Moench foi testando novas abordagens na série Mestre do Kung Fu, incorporando metáforas sofisticadas à narrativa. Uma das mais sintomáticas nesse sentido é a história publicada no número 38 da revista americana.

Um gato sendo salvo: metáfora. 

A trama em si é simplória. Shang-Chi é enviado à China para “proteger” uma agente britânica e, ao mesmo tempo, resgatar documentos essenciais para o governo inglês. Para isso, ele entra no bar onde a agente atua como cantora e conversa abertamente com ela, revelando acidentalmente ao perigoso vilão Gato que a mulher é uma espiã estrangeira — ou seja, a pior abordagem possível para um agente secreto. Ao descobrir que sua namorada é na verdade uma infiltrada, o Gato resolve matá-la, assim como a Shang-Chi. Paralelamente, ao tentar recuperar os papéis, o herói descobre que os documentos pertenciam originalmente à própria inteligência chinesa e que a missão de resgate, na realidade, tratava-se de um roubo.

Shang Chi expondo a agente inglesa: erro de roteiro. 

Como se vê, trata-se de uma história simples e até meio sem sentido, já que todo o conflito e o perigo só emergem a partir da intervenção desastrada do próprio protagonista. No entanto, Doug Moench e Paul Gulacy conseguem estender essa premissa por duas edições e, ainda assim, construir algo visualmente interessante. Isso demonstra como, muitas vezes, uma execução formal de excelência consegue se sobrepor a um conteúdo dramatúrgico simplório.

Um exemplo claro dessa maestria narrativa é a sequência inicial, que mostra o herói já em território chinês, percorrendo as ruas de uma cidade. No caminho, um gato siamês é encurralado por outros felinos que o ameaçam. Shang-Chi joga uma pedra para afastar os agressores, e o animal salvo passa a segui-lo. Esse início opera como pura metáfora visual, com o felino representando o próprio herói que, apesar de buscar a paz, acaba constantemente envolvido em conflitos alheios. Gulacy transforma essa breve ação em duas páginas magníficas, variando planos e ângulos cinematográficos, em um exemplo perfeito de seu domínio sobre a narrativa visual.

Gulacy usa as nuvens como metáforas de afastamento e saudades. 

Pouco depois, deparamo-nos com um flashback no qual Shang-Chi rememora sua despedida de Leiko Wu, por quem está apaixonado. Enquanto a mulher o observa se afastar em direção ao avião, as nuvens no céu reproduzem sutilmente a imagem dos dois se beijando, em uma composição tão romântica quanto fugaz, que simboliza com precisão a natureza efêmera do amor entre ambos.

Páginas como essa mostram Gulacy no seu auge narrativo. 

Já no interior do bar chinês, o diálogo do Mestre do Kung Fu com a agente é decupado de maneira pouco convencional, com closes dramáticos sendo posicionados, por exemplo, em lustres e detalhes do cenário em vez de focar apenas nos rostos. Por fim, um close imponente da espiã, ocupando um terço da página, evidencia o quanto o traço e a sofisticação anatômica de Paul Gulacy haviam evoluído naquele período.

Os super-heróis nacionais

 

Na década de 1960, o sucesso do terror nacional fez com que as editoras incentivassem seus colaboradores a investirem em novos gêneros. Desses, um dos de que tiveram mais sucesso foram os super-heróis. O estudioso Worney Almeida de Souza lista 34 super-heróis brasileiros surgidos antes dos anos 1970, sem contar os super-vilões e heróis não-mascarados.

Nosso primeiro grande super-herói foi o Capitão 7, no início dos anos 1960, baseado num seriado homônimo exibido pela TV Record, de autoria de Ayres Campos. O Capitão 7 é um menino do interior de São Paulo levado a um planeta distante, de onde volta com super-força, super-inteligência, capacidade de voar e um uniforme atômico. O personagem, cujo visual foi criado por Jayme Cortez, foi desenhado por Júlio Shimamoto, Juarez Odilon, Sérgio Lima e Getúlio Delfim e fez muito sucesso, durando muitos números, até por estar anc

orado em uma atração televisiva. Chegou a existir até mesmo fantasias do personagem para a época de carnaval.

O sucesso do capitão 7 fez com que a Estrela, maior fábrica de brinquedos da época, encomendasse a criação do capitão estrela, em uma revista lançada pela continental (a mesma do concorrente), que acabou não fazendo sucesso.

O caminho aberto pelo capitão 7 foi explorado por outros artistas, que se aproveitaram do fato de muitos heróis ainda não serem conhecidos no Brasil. Exemplo disso é o Raio Negro, criado por Gedeone Malagola para a editora GEP. Gedeone tinha apresentado o Homem-lua (que depois seria aproveitado), mas como ele não parecia tão super-herói, os editores pediram que ele desse uma olhada no novo Lanterna Verde. Misturando os poderes do Lanterna com o uniforme do Ciclope dos X-men, surgiu o Raio Negro, um dos personagens de maior sucesso da época.

Um dos heróis mais interessantes surgidos no período foi o Golden Guitar, um herói criado para aproveitar o sucesso da jovem guarda. Os donos da editora Graúna queriam licenciar os personagens da série Archie para tentar captar o interesse do público jovem. Como não conseguiram, encomendaram para Macedo A. Torres um herói juvenil inspirado no movimento musical Jovem guarda. O resultado foi um herói psicodélico, que usava como arma uma guitarra, através da qual disparava dardos tranqüilizantes e outras maluquices. Além dos quadrinhos, o gibi trazia letras das músicas de Roberto Carlos, Erasmo e Wanderléa. Essa é atualmente uma das revistas mais raras do período e também uma das mais procuradas pelos fãs.

A estréia dos chamados heróis Shell (os personagens da Marvel foram lançados no Brasil numa campanha dessa rede de postos de gasolina) criou um grande interesse pelo gênero e fez com que surgissem vários gibis nacionais. Eugenio Colonnese criou Mylar, o homem mistério, para a editora Taika.

Outro herói de sucesso foi O Escorpião. Tratava-se de uma cópia descarada do fantasma, feita por Wilson Fernandes a pedido da editora Taika, em 1966. Como a revista começou a vender muito (os dois primeiros números esgotaram a tiragem de 50 mil exemplares), a editora ficou com medo da King features Syndicate, e pediu ao desenhista Rodolfo Zalla e ao roteirista Francisco de Assis que reformulassem o personagem. Assim, o escorpião tornou-se um defensor das selvas amazônicas e continuou sua carreira de sucesso.

Mas nenhum herói do período fez tanto sucesso quanto o Judoka, lançado pela Ebal com roteiros de Pedro Anísio e desenho de vários artistas. O personagem usava um collant com um quimono verde e branco, além de uma máscara. Seu mestre no judô era o sábio Minamoto. Além disso, ele contava com a ajuda de sua namorada Lúcia. A revista pegava a onda ufanista do período militar e exaltava as belezas do Brasil. Para isso, o personagem percorria diferentes pontos do país.

Os heróis brasileiros não resistiram aos anos 1970. uma das razões disso era a censura prévia. As revistas tinham de ser enviadas a Brasília, sendo analisadas por censores, que muitas vezes cortavam cenas, páginas, ou mandavam reformular histórias inteiras. Era mais fácil para as editoras importar quadrinhos americanos, até porque esses não costumavam despertar a atenção dos censores. Além disso, o endurecimento da ditadura e crise econômica foram acabando com o sentimento patriótico e ufanista dos leitores. A moda passou a ser achar bom o que vinha de fora, especialmente dos EUA. Com isso os super-heróis foram desaparecendo. Pior: começou a se achar que esse era um gênero que não podia ser trabalhado por brasileiros, pois tinha pouco a ver com a realidade nacional. De um lado os quadrinhos nacionais de super-heróis eram perseguidos pelos censores da ditadura. Por outro lado, eram perseguidos pelos intelectuais de esquerda, que achavam que eles eram colonialismo imperial norte-americano. 

Jornada nas estrelas – Jóia rara

 

Joía rara, episódio da terceira temporada de Jornada nas Estrelas escrito por Joyce Mukat e dirigido por John Erman é um daqueles exemplos de como a série podia alcançar um altíssimo nível narrativo mesmo com recursos mínimos.

Na história, Kirk, McCoy e Spock descem a uma estação de pesquisa para resgatar cientistas de um planeta que será destruído por uma supernova. Eles encontram a estação abandonada. Quando uma tempestade solar faz com que a Enteprise tenha que se afastar do planeta, eles são teleportados por uma inteligência misteriosa para um local onde uma mulher dorme sobre um tablado. Ao tentar se comunicar com ela, descobrem que é muda. Mais: ela cura um ferimento de Kirk, indicando que se trata de uma empata.

O grupo foi raptado por dois alienígenas com cabeças enormes (bem ao estilo das maquiagens dos filmes de ficção científica dos anos 1960) vestindo camisolões prateados. Eles querem um dos três tripulantes da Enterprise como cobaia para uma experiência que pode terminar em morte.

Tirando um outro móvel, todo o cenário é composto de cortinas pretas e o único efeito especial é uma barreira energética colorida e um efeito de teletransporte. Assim, toda a força do episódio se concentra no ótimo roteiro, que explora muito bem os personagens, nas ótimas interpretações e nos truques de direção.

O roteiro, com uma forte mensagem a favor da fraternidade e da compaixão, aproveita muito bem, em seu desfecho, cenas como aquela em que os personagens disputam sobre quem será a cobaia como forma de poupar a vida dos amigos.

Em tempo: nesse episódio, McCoy solta uma das suas famosas pérolas: “Eu sou um médico, não um mecânico!”.

Eu, Wolverine

 

Em 1982, Frank Miller e Chris Claremont eram duas das grande estrelas da Marvel. Miller por seu trabalho no Demolidor e Claremont pelos X-men, que começavam a despontar como a série mais lucrativa da editora. Eles viajavam juntos para a San Diego Comicon quando começaram a pensar num trabalho em conjunto. Havia um personagem nos mutantes que interessava Miller por sua conexão com o Japão, Wolverine.

Assim nasceu Eu, Wolverine, uma minissérie em quatro partes publicada no Brasil inicialmente pela Abril em 1987.

A HQ começa com uma maravilhosa sequência de ação do protagonista contra um urso enlouquecido por um ferimento com flecha envenenada. Ali, naquela sequência inicial, já aparece a frase que iria caracterizar o personagem: “Eu sou o melhor no que faço, mas o que faço não é nada agradável”.

A história começa com o herói enfrentando um urso. 

Texto e desenho encaixam perfeitamente, demonstrando a sintonia dos dois criadores. Wolverine entra na caverna do urso e ele aparece, ameaçador. O texto nos explica que o urso, enlouquecido, matou três mulheres, sete homens e cinco crianças: “O bicho é um gigantecos urso cinzento. Ele tá enlouquecido. Não existe criatura mais terrível na terra... a não ser eu. Sua garras brilham à meia luz. As minhas também”.

Depois dessa sequência inicial, segue-se outra, em que as cartas enviadas para Mariko Yashida, o amor de Wolverine, foram devolvidas. Ele resolve ir até o Japão verificar o que está acontecendo, o que providencia a descupa para que Miller possa ambientar a história onde queria (vale lembrar que pouco depois ele faria Ronin).

No país do sol nascente, ele descobre que a amada se casou obrigada depois que o pai dela apareceu e forçou o casamento. Ela sofre abusos físicos e psicológicos do marido, mas se recusa a pedir divórcio para não manchar a honra da família.

Miller usa muito bem as elipses, deixando que o leitor complete  ação. 

Wolverine é drogado e obrigado a enfrentar Lorde Shingen, pai de Mariko. A situação cumpre a função de fazer com que a moça deixe de amá-lo, pois ele seria indigno dela, um animal, mais do quem um homem (o texto de Claremont, um especialista em aprofundamento de personagens, explora muito bem isso).

Jogado na rua, o herói é atacado por assaltantes e salvo por uma mulher misteriosa, que se tornará seu grande interesse romântico na história, disputando com Mariko.

Yukio é uma típica mulher fatal, mas dentro de um contexto oriental a la Miller. Uma especialista em diversas lutas, usa pequenas adagas como arma. Mas, como numa boa história noir, nada é o que parece.

Algumas sequências parecem saídas de Ronin, o trabalho seguinte de Miller

Claremont usa e abusa dos textos e continuamente apresenta Wolverine e seus poderes, como se o personagem fosse um desconhecido dos leitores àquela época e como se os leitores da série já não o conhecessem. Mas compensa isso com uma boa caracterização dos personagens e seus dramas internos.

Já Miller nitidamente está feliz da vida mostrando samurais, guerreiros, ninjas (ele resgata até o grupo Tentáculo, das histórias do Demolidor) e dá um show nas cenas de ação usando e abusando (agora num bom sentido) das elipses e deixando que o leitor complete a ação. Sem falar na diagramação inovadora, com painéis horizontais e verticais.

I Encontro de Quadrinheiros de Manaus

 

Olha só o que o amigo Romahs me mandou: O cartaz do primeiro evento de quadrinhos de Manaus.

Esse foi o primeiro evento de quadrinhos de Manaus e também o primeiro evento que participei como convidado especial. Foi a partir desse encontro que surgiu o movimento quadrinheiro, que revelou grandes talentos manauaras, alguns dos quais hoje em dia são conhecidos nacionalmente, como o próprio Romahs.

Uma curiosidade é que no cartaz escreveram errado o meu pseudônimo. Ao invés de Gian, Jean. Em alguns desses cartazes o nome foi corrigido com caneta.

Em tempo: existe um movimento para transformar o dia 14 de outubro no dia do quadrinho manauara. A data seria uma referência ao primeiro dia desse evento que participei em 1992.

Perry Rhodan 66 – Os escravos cósmicos

 

No número 66 da série Perry Rhodan, o planeta Fera Cinzenta já se tornara importante o bastante para se tornar uma narrativa pararela às histórias centradas nos protagonistas.

Nos números anteriores o leitor havia acompanhado como uma tentativa de assassinar Rhodan havia fracassado e como os integrantes dos dois grupos envolvidos tinham sido enviados para outro planeta e como uma revolta tinha feito com que a astronave caísse no planeta desconhecido apelidado de Fera Cinzenta. Duas facções haviam se estabelecido em torno de dois líderes: o despótico Hollander e o democrata Mullon. Uma vez neutralizada a ameaça de Hollander, surge uma nova ameaça: o planeta é invadido por alienígenas dispostos a transformar os colonos em escravos, fazendo com que eles plantem cereais em centenas de milhares de quilômetros.

A capa original alemã. 

Os invasores são chamados de peepsies e descritos dessa forma por Kurt Mahr, autor do volume: “Tinham pelo menos dois metros de comprimento e eram tão magros que não se compreendia como não quebravam ao meio quando andavam eretos. Não tinham cabelos na cabeça e a caixa craniana brilhava como se tivesse sido coberta de açúcar de confeiteiro. Os olhos pareciam muito grandes. O nariz era ossudo e abria-se de forma grotesca na metade inferior”.  

O livro gira todo em torno de uma situação de suspense: os terranos conseguirão se livrar do jugo dos peepsies sem que seja necessário o auxílio dos homens de Rhodan (uma nave terra foi enviada ao local para monitorar a colônia, mas só intervir em último caso)?

Mahr, que à essa altura já tinha se tornado um autor competente, consegue estabelecer uma narrativa interessante e verossímil, em que os métodos de resistência criado pelos humanos parecem óbvios e fazem todo o sentido considerando-se as fraquezas dos peepsies.

Uma curiosidade do volume é que este é, provavelmente, o primeiro da série em que se fala de pena de morte. É mencionado que ela foi proibida na Terra após a unifacação e alguns argumentam que voltar a aplicá-la seria um retorno à barbárie. Entretanto, ela é executada duas vezes. Nas duas Mahr evita descrições detalhadas. Não sabemos nem mesmo com que método a pena foi executada.