Superman – entre a foice e o martelo

 

Um dos princípios básicos da teoria do caos é a dependência sensível das condições iniciais – a percepção de que pequenas mudanças no início do processo pode provocar grandes mudanças a longo prazo. O roteirista Mark Millar parece usar esse princípio na sua aclamada série Superman – entre a foice e o martelo.

Na história, o foguete vindo de Kripton cai na Rússia...

Na história, o bebê kriptoniano cai em uma fazenda russa, sendo criado em plena União Soviética stalinista. Essa pequena mudança geográfica (à certa altura um personagem se pergunta: já imaginaram se ele tivesse caído 12 hora antes?) provoca uma mudança global absoluta. Com uma figura indestrutível, capaz de se mover à velocidade do pensamento e super-poderosa, a URSS ganha a guerra fria. Quando, após a morte de Stalin, o Super-homem é alçado ao poder, o império soviético se estende pelo mundo.

... e o Superman se torna o grande herói soviético. 

Millar reimagina o universo DC: Lex Luthor, o arqui-inimigo do Homem de aço, torna-se a maior arma norte-americana contra o avanço do estado comunista. A Mulher Maravilha alia-se ao Super-homem e Batman, após ver seus pais sendo mortos por homens da KGB, torna-se um terrorista anti-sistema.

Lex Luthor é a arma secreta norte-americana nessa guerra. 

O roteirista consegue equilibrar esses elementos de forma segura e verossimilhante. Em nenhum momento a história parece forçada – tudo parece ser consequência óbvia do que veio antes – até mesmo o final duplamente surpreendente. Trata-se de uma verdadeira epopeia quadrinística que em nenhum momento resvala para o preto e branco. Ao contrário, explora muito bens os tons de cinza de personagens que acham, cada um a seu modo, que estão fazendo o melhor para o mundo.

Uma única palavra para descrever Superman – entre a foice e o martelo: obrigatório.

Pantera Negra - Wakanda Forever

 

Os roteiristas de Wakanda Forever, Joe Robert Cole e Ryan Coogler (que também é diretor) tinham dois abacaxi para descascar.

O primeiro deles se referia ao próprio protagonista. Chadwick Boseman, que interpretava o personagem, morreu de câncer pouco depois do primeiro filme. E da família real só sobrara sua mãe e sua irmã nerd. Como fazer um segundo filme do Pantera Negra sem o Pantera Negra?  

O segundo diz respeito ao desejo da Marvel de introduzir Namor no seu universo cinematográfico.

Namor é um personagem muito mais antigo e muito mais interessante que Aquaman. Enquanto Aquaman pode ser definido, basicamente, como um herói bobinho que fala com peixes (no filme é um herói bobinho bombadinho), Namor oscila entre herói e vilão – alguém de uma ética inabalável para com seu povo, mas, ao mesmo tempo, alguém que quer acabar com o povo da superfície. Aquaman copiou de Namor até mesmo o reino de Atlântida.

Mas acontece que nos cinemas Aquaman veio primeiro – e para a maioria do público, as pessoas que não lêm quadrinhos, Namor seria apenas mais um personagem aquático que reina em Atlântida. Seria uma imitação de Aquaman.  

A solução dos roteiristas foi transformar a ausência do Pantera Negra em drama – pela primeira vez em sua história o reino de Wakanda não tem um guardião – e mudar a origem de Namor.

Originalmente a Atlântida de Namor foi construída em cima dos gregos e romanos. Namor é um anagrama de Roma. Para distanciar o personagem de Aquaman, os roteiristas deram a ele uma nova origem, ligada aos povos meso-americanos, e, junto com essa origem, deram também uma motivação para ódio pela humanidade. O novo Namor é descedente de astecas que passaram a viver no mar fugindo da escravidão trazida pelos espanhóis. O ódio do Namor pelo povo da superfície é o ódio de quem ainda se ressente de ver seu povo escravizado por colonizadores. Isso o coloca muito próximo de wakanda, um reino que vem sendo ameaçado por grandes potências, cobiçosas do metal vibranium.

Mas, de possível aliados, os dois reinos acabam se tornando inimigos, criando o conflito que move o filme.

O visual de Namor tem sido muito criticado, mas funciona no filme e faz sentido dentro da perspectiva de que ele é descendente dos astecas – embora talvez haja um exagero de adornos. Kukulkan, a forma como Namor é chamado no filme, era o deus serpente emplumada reverenciada pelos astecas. Ele, portanto, não é um rei, mas um deus – algo, aliás, que pode ser um tiro no pé, pois tira do personagem todas as possíveis tramas palacianas, comuns nos quadrinhos.

No geral é o filme mais adulto da Marvel até o momento, um filme repleto de drama e com personagens dúbios, que oscilam entre sentimentos positivos e negativos. A trama é bem desenvolvida, mas poderia ser mais condensada: o filme tem 2:40 h.

Em tempo: não deixem de assistir a cena pós-crédito. Ao contrário de outros filmes da Marvel, em que as cenas pós-créditos trazem prévias de outros filmes, esta é uma continuação importante da última cena.

A primeira aparição de Manto e Adaga

 

Manto e Adaga foram dois personagens que cativaram os leitores brasileiros quando apareceram nas páginas da revista Heróis da TV. O que pouco sabem é que eles eram, inicialmente, personagens secundários da série do Homem-aranha.

Em 1981, Bill Mantlo era o roteirista da revista Peter Parker, the spetacular Spider-man e fez uma visita à ilha Ellis, local onde ficavam os imigrantes antes de serem selecionados ou não para entrarem nos EUA. Na década de 1970 o local tinha se tornado um centro de miséria e de dependentes de drogas. Os personagens, um representando a luz e outro as trevas, lhe vieram à mente na mesma noite.

A primeira aparição dos heróis. 

O responsável pelo visual dos personagens seria Ed Hanning, então desenhista do título. Embora fosse muito influenciado por Steve Ditko, era um desenhista mediano. Mas no visual desse personagens ele de fato acertou. Manto foi representado com um homem negro com uma capa semelhante a uma sombra e Adaga como uma garota loira com uma roupa branca colada e um decote no formato de adaga “Algo que era bastante ousado para época”, afirmou o desenhista.

Na história, o Homem-aranha está patrulhando a cidade quando recebe um pedido de ajuda. É um traficante que quer se entregar para a polícia. Mas antes que o aracnídeo possa fazer isso, aparecem Manto e Adaga e matam o homem. Já naquelas imagens a representação dos personagens já chamava a atenção.

A história surgiu após uma visita do roteirista à Ilha Ellis. 

A história segue, mostrando como a Ilha Ellis foi usada por traficantes para testar novas drogas em crianças e adolescentes. A maioria morre, dois sobrevivem e ganham poderes, tornando-se Manto e Adaga.

Ao final, a história despontava como um conto tocante e extremamente humano, muito acima do normal de uma história de super-heróis.

O visual dos personagens já chamava a atenção desde o começo. 

Futuramente, os personagens ganhariam uma minissérie escrita por Mantlo e desenhada por Rick Leonardi, em início de carreira, mas já um grande desenhista.

No Brasil essa história foi publicada em Almanaque do Aranha 1, da editora Abril e depois na coleção Os heróis mais poderosos da Marvel, da Salvat.

Sonhos elétricos, de Philip K. Dick

 

Sonhos elétricos é uma antologia de contos de PKD com histórias que deram origem à série Eletric Dreams, da Amazon.

Como as duas obras são intimamente relacionadas, o ideal é ler o livro e assistir a série. Ou o contrário. E comparar. Algumas histórias foram tão modificada que parecem obras diferentes.

O livro abre com “Peça de exposição”, que na série deu origem ao episódio “Real life”. Na obra literária, um historiador do futuro faz uma exposição, com uma casa típica de uma família norte-americana do século XX. Mas, em determinado momento, ao entrar na peça, acaba se vendo no passado. O conto traz a principal característica de Dick: nos faz duvidar da realidade. Mas o grande diferencial desse conto é o final, com uma tremenda ironia do destino. É uma trama muito diferente do episódio que foi ao ar, mas ambos são igualmente interessantes.

“Autofab” tem a mesma premissa do episódio: após uma guerra que devastou o planeta, fábricas automáticas continuam produzindo amenidades enquanto exaurem a Terra dos seus últimos recursos. Um plano dos sobreviventes faz com que as várias unidades entrem em guerra, destruindo umas às outras. Mas os humanos percebem que tudo deu terrivelmente errado quando descobrem que a nova realidade poderá fazer com que a fábrica se expanda por todo o universo. É um conceito muito mais corajoso do que o do episódio da série, que usa os robôs como forma de questionar a realidade. Uma fábrica que perdeu seu propósito e resolve se expandir por todo o universo é um conceito muito mais assustador.

“Humano é” é um dos poucos episódios que ficaram melhores na série do que no livro. Na história, um pesquisador visita outro planeta e é substituído por um dos metamorfos que habitam o local. Dick cria uma boa história, mas explora pouco os personagens, algo que é resolvido no episódio dirigido por Jessca Mecklenburg.

“Crazy Diamond” é o pior episódio de Eletric Dreams e ao ler o conto que deu origem ao episódio descobrimos porque: o diretor Tony Grisoni não aproveitou praticamente nada do conto “Argumento de venda” e fez uma história sem pé nem cabeça. O conto de dick, ao contrário, traz uma reflexão interessante sobre a falta de limite da publicidade. Na história, um homem atende a porta e encontra um robô, que está vendendo a si mesmo. O robô destrói partes da casa apenas para consertá-las depois e tem ordens de não sair do local até que a venda seja efetuada. 

“O fabricante de gorros” é um caso interessante. O conto e o episódio parecem apresentar mensagens totalmente diferentes. O conto original é um libelo contra o estado policialesco, em que até o pensamento das pessoas é controlado por mutantes telepatas. Na história, os simples fato de usar um gorro que impeça os telepatas de lerem sua mente já é considerado crime, situação resumida nos pensamentos de um dos personagens: “Iam leva-lo diante de um conselho de Liberação. Nenhuma acusação viria à tona: caberia a ele defender a si mesmo, provar que era leal. Será que ele havia feito alguma coisa errada na vida?”. Ao transformar em personagem principal uma telepata, o seriado parece justificar a invasão de privacidade.

“São e salvo” é o único caso em que o episódio é decididamente melhor que o material original. No conto original, “Foster, você já morreu”, um garoto sonha ter uma casa subterrânea que  garantiria a sobrevivência da família no caso de uma guerra nuclear. Mas esbarra no antagonismo do pai, que não acredita no perigo atômico e acredita que é tudo uma estratégia de venda. O conto refletia diretamente a paranóia da guerra fria. Os diretores Kalen Egan e Travis Sentell escreveram o episódio durante a campanha à presidência dos EUA de 2016 e perceberam que seria impossível escapar de meia dúzia de ressonâncias involuntárias e, assim, resolveram assumir essas ressonâncias. Na introdução, eles escrevem que a obra de PKD sempre será relevante porque ele via o mundo e as pessoas ao redor com uma clareza ímpar. Ao captarem a essência da obra de dick, eles produziram um dos melhores episódios de Eletric Dreams e demonstraram o quanto a natureza humana permanece a mesma nos seus piores aspectos.

O conto “A coisa-pai” é muito parecido com o episódio que foi ao ar: um garoto descobre que seu pai foi substituído por um ser extraterrestre e que isso é apenas parte de um plano maior de invasão. Mas o conto é curto, de modo que a versão televisiva, embora seja muito fiel ao material original, tenha aprofundado mais vários aspectos, criando inclusive uma alegoria interessante (no episódio, o casal de pais está se separando).

Outro episódio muito fiel, mas que aprofunda o material original é “O planeta impossível”. Na introdução ao conto, o diretor David Farr escreve: “Um dos maiores talentos de Philip K. Dick é que mesmo suas histórias mais simples invocam temas atemporais. O planeta impossível lida com perda, passado, memória e o terror que nos provoca a possibilidade de que a vida na terra esteja condenada. Questiona o que significa ser humano e conta com um robô que talvez seja emocionalmente mais leal do que qualquer um dos seus protagonistas mortais. Com isso ele também questiona o que significa ter uma alma”. Na história, uma velha quer visitar a Terra, o planeta original, que, na versão oficial não existe e ninguém sabe onde fica. Dois trambiqueiros donos de uma nave resolvem aproveitar a situação para tirar dinheiro da mulher levando-a um planeta qualquer. Mas o final deixa uma dúvida: será que eles não estariam de fato na terra?

“O enforcado desconhecido” é um dos casos mais interessantes. Conto e episódio são muito diferentes. Em comum entre eles apenas um homem enforcado em local público que parece não chamar a atenção de ninguém. Mas, enquanto Dick transforma essa premissa numa tremenda trama de ficção científica, o episódio cria uma reflexão política sobre como as pessoas têm sua sensibilidade amortecida pela propaganda política. No final, embora as histórias sejam muito diferentes, a essência está presente nos dois. Em uma época como a nossa, em que 600 mil mortes não parecem causar a menor comoção, é tanto um conto quanto um episódio obrigatório.

Epicuro: a filosofia do prazer

 

Na Grécia antiga, a filosofia epicurista tentou entender como o homem pode ser feliz

No ano de 306 a.c. o filósofo grego Epicuro, então com 36 anos, abriu sua escola em Atenas. Epicuro comprara para tal uma casa com jardim e, ao invés de trancafiar-se em uma sala com os alunos, preferia ficar ao ar livre, conversando com seus eles. Observadores da época diziam que não parecia um mestre rodeado de alunos, mas sim um grupo de amigos que filosofavam juntos. Aquele sábio simpático e hospitaleiro se debruçou sobre uma pergunta que inquieta o homem há séculos: como podemos ser mais felizes? Sua resposta: através do prazer. Essa filosofia do prazer influenciou diretamente não só a sociedade grega, mas principalmente a romana e chegou a ser deturpada ao ser vista como uma busca irrefletida do prazer carnal. Também teve grande influência sobre a ciência moderna ao estabelecer os alicerces do que seria a teoria atômica.

Vida

Epicuro nasceu em janeiro de 341 a.C, na ilha de Samos. Sua família fazia parte da nobreza falida de Atenas e viajara para Samos na qualidade de colonos. Seu pai, Néocles, era mestre escola e sua mãe, Querestrata, era curandeira e adivinhava o futuro. Ele costumava a ir com a mãe à casa de pessoas doentes para afastar o mau-olhado e curar doenças. Essa experiência infantil lhe deu uma boa ideia das crenças e superstições dos gregos, que ele iria criticar duramente em sua filosofia.
Desde pequeno, Epicuro se destacava pela inteligência e pelo espírito indagador. Aos 14 anos, quando o professor lhe ensinava o verso de Hesíodo segundo o qual no princípio de todas as coisas vieram do caos, ele perguntou: “E o casos, de onde veio?”, O professor, aturdido, não soube o que fazer e respondeu que esse tipo de pergunta deveria ser feita diretamente aos filósofos.
E foi o que Epicuro fez. Estudou vários sistemas filosóficos, entre eles os de Platão e o de Aristóteles, mas sem se deixar influenciar por eles e sem aprofundá-los. Com o tempo, sua inteligência foi reunindo em torno de si um grupo de discípulos que o seguiam como a um mestre e o acompanharam quando ele foi para Atenas. Acredita-se, inclusive, que o dinheiro para comprar o jardim que o tornaria conhecido veio de um aluno.
Epicuro não gostava de trancar-se com seus alunos em uma sala e preferia dar suas lições ao ar livre, razão pela qual sua instituição ficou conhecida como escola do jardim. Também não havia um horário para as aulas, já que a qualquer momento ele podia ser visto lá, ou cuidando das plantas, ou conversando com seus discípulos.
A personalidade de Epicuro foi fundamental para fazer com que o grupo permanecesse unido (tanto que mesmo os inimigos do epicurismo admitiam que a escola nunca teve cisões ou brigas). Segundo relatos da época, o mestre era caridoso com os irmãos, brando para com os escravos e procedia com afeto para com todas as pessoas.
Uma das questões principais que ocupavam o tempo desse grupo de amigos era a felicidade. É compreensível que essa fosse uma preocupação principal numa cidade que já fora gloriosa e que na época vivia em decadência, devastada por guerras.
Uma outra escola, o estoicismo, já se ocupava do mesmo assunto.  Segundo os estóicos, o mundo era governado por um determinismo implacável do qual não se podia fugir e a receita da felicidade estava em aceitar o que a vida nos dava. Uma anedota ajuda a compreender esse ponto de vista. Dizem que Zenão, criador do estoicismo, castigava um escravo por sua falta quando este argumentou que não tinha culpa, pois, segundo a filosofia de seu senhor, ele estava condenado, por toda a eternidade, a cometer aquela falta. Zenão replicou que, da mesma forma, ele estava destinado a bater no escravo.
Epicuro discordaria dessa visão determinística e argumentaria que nós mesmos somos guias de nosso destino, pois podemos formá-lo com nosso raciocínio.

Prazer

Para Epicuro, o segredo da felicidade estava na busca do prazer, pois só o prazer pode levar à felicidade. Mais tarde, em Roma, sua filosofia seria deturpada, configurando-se como uma busca desenfreada de prazer sensual e bebedeiras, também conhecida como hedonismo. Mas, na filosofia de Epicuro, o prazer é configurado como ausência de dor. Aquilo que nos dá prazer momentâneo, mas posteriormente provoca dor, em nós ou em outros, não é o prazer verdadeiro, pois só podemos tirar prazer da paz de espírito, a hedoné .. Exemplo disso é uma bebedeira, que provoca prazer momentâneo, mas depois ocasiona a ressaca.  
Além disso, buscar o prazer não significava ser dominado pelos desejos. Segundo Epicuro, devemos fruir o prazer de cada situação, sem nos preocuparmos com o que não temos. “Não deves corromper o bem presente com o desejo daquilo que não tens; antes deves considerar que aquilo que agora possuis se encontrava no número dos teus desejos”, dizia.
Essa visão do prazer está resumida no programa da escola, que, dizem, era gravado no pórtico de entrada: “Estrangeiro, aqui te encontrarás bem: aqui reside o prazer, o bem supremo. Encontrarás nesta casa um mestre hospitaleiro, humano e gracioso, que te receberá com pão branco e te servirá abundantemente água clara dizendo-te: Não foste bem tratado? Estes jardins não foram feitos para irritar a fome, mas para a apaziguar, não foram feitos para aumentar a sede com a própria bebida, mas para a curar por um remédio natural e que nada custa. Eis aqui a espécie de prazer em que tenho vivido e em que envelheci”.
Epicuro viveu de acordo com essa filosofia, comendo e bebendo sem excessos, tirando grande alegria da conversa com seus discípulos.

Átomos

Um aspecto importante na teoria epicurista e na sua noção de felicidade é a teoria atômística. Epicuro percebeu que um dos aspectos que impedem as pessoas de serem felizes é o medo da morte e dos deuses. Sua experiência infantil com a mãe curadeira havia lhe ensinado como as pessoas temiam a morte, agarrando-se à vida e a superstições.
Epicuro defendia que todas as coisas são feitas de átomos. Os átomos, em número infinito, estão em constante movimento. A junção e o movimento dos átomos é que fazem com que as coisas sem diferentes. Assim, tanto um homem como uma pedra são formados de átomos, mas configurados de forma diferente. Como são eternos, os átomos apenas mudam de lugar e se unem em outros corpos. Pela teoria epicurista, que seria resgatada pela ciência moderna, quando morremos, nossos átomos se espalham pelo universo e se transformam em material para criação de outros organismos.
Como, na teoria epicurista, tanto o corpo quanto a alma são feitos de átomos, não há possibilidade de existência no além, de modo que não há razão para temer a morte, pois aquilo que se dissolveu em suas partes não possui mais sensações. Epicuro dizia que a morte é o fim de todas as sensações e temê-la é bobagem, pois quando nós existimos, a morte não existe e, quando a morte chegar, nós não mais existiremos como pessoa. Seremos apenas átomos sem sensações, que se unirão com outros para formarem outros corpos.
Com a teoria atômica, Epicuro tirou de seus discípulos o medo da morte.
O temor dos deuses também seria destruído pela filosofia do jardim. Epicuro não negava a existência dos deuses, mas para ele, eles eram seres tão perfeitos que não se incomodavam com os humanos. Viviam num estado de total imperturbabilidade, num espaço entre os cosmos. Como seres perfeitos e inatingíveis, eles não recompensavam nem puniam os homens, cujo destino estava nas próprias mãos.
Dessa forma, Epicuro não só tirava o poder das mãos dos sacerdotes, que já não podiam ameaçar os homens com a fúria das divindades, como dava ao homem a responsabilidade sobre seu destino e sua felicidade.
Livre do medo da morte e dos deuses, o epicureu deveria viver uma vida racional, justa e venturosa, não prejudicando os interesses de outros e, principalmente, seguindo as leis.

Mulheres

Enquanto estava vivo, Epicuro ensinou todos os dias, em qualquer horário, recebendo tanto homens quanto mulheres. A forma avançada como as mulheres eram encaradas no epicurismo causou escândalo na sociedade machista moderna, quando a obra do filósofo foi recuperada. De fato, muitas mulheres tiveram papel essencial na difusão do epicurismo. Contrariando costumes da época, até escravos eram admitidos entre os epicuristas.
Mesmo sofrendo uma doença que lhe provocava dores terríveis, Epicuro não se deixava abater e perseverava em sua serenidade. “Durante minhas doenças”, escreveu ele “não falava a ninguém do que sofria no meu miserável corpo; não tinha essa espécie de conversação com aqueles que vinham me visitar: não falava com eles senão daquilo que desempenha na natureza o primeiro papel. Procurava sobretudo fazer-lhes ver que a nossa alma, mesmo sem ser insensível às perturbações da carne, podia no entanto mater-se isenta de cuidados e no gozo pacífico dos bens que lhe são próprios. Mesmo nesse tempo eu vivia tranqüilo e feliz”.
No dia em que morreu, ele escreveu a um amigo: “Este é o último dia de minha vida, ainda assim é um dia feliz”.
Com a morte de Epicuro, seus discípulos se mantiveram unidos e perseverantes em sua doutrina. Essa docilidade tem gerado alguma das principais críticas ao epicurismo. Dizem que lembravam do mestre como um deus e que a filosofia não se aperfeiçoou pelo extremo respeito que tinham pelas palavras do fundador. De fato, mesmo com o tempo, o epicurismo continuou o mesmo.
Poucas escolas filosóficas foram atacadas tão furiosamente. Os principais ataques vinham dos estóicos, provavelmente por inveja, já que os modos austeros de sua doutrina arregimentava poucos adeptos, enquanto que os seguidores do epicurismo aumentavam a olhos vistos. De fato, além da população de forma geral, muitas personalidades adotaram o epicurismo como modo de vida. Em Roma, o poeta Lucrécio ficou famoso ao cantar as ideias de Epicuro em verso e até mesmo o famoso orador Cícero, embora fosse influenciado pelo platonismo, tinha grande respeito pelos epicuristas. Os dois maiores poetas romanos, Virgílio e Horácio foram influenciados pelo epicurismo.
Em todo o mundo helênico, muitos homens e mulheres tornaram-se adeptos do epicurismo. Muitos não entenderam corretamente a filosofia de Epicuro e converteram-na em uma busca desenfreada pelo prazer sexual em meio a bebedeiras. Estes, segundo a maioria dos autores, não eram epicuristas, já que essa licenciosidade fugia da ideia de felicidade epicurista, que era, essencialmente, a paz de espírito.

Influência

A influência epicurista nessa época era tão grande que Diógenes Laércio, ao escrever a biografia dos filósofos, dedicou todo o capítulo 10 a Epicuro.
Entretanto, nem mesmo esse sucesso garantiu que a vasta obra escrita de Epicuro sobrevivesse. A maioria dos escritos se perdeu nos primeiros séculos da era cristã, até por conta da luta entre cristãos e pagãos. O epicurismo sobreviveu graças ao poema Da natureza, de Lucrécio e de trechos citados em outras obras. Diogenes Laércio teve a felicidade de incluir na biografia do filósofo quatro pequenos manuscritos.
Na época do Renascimento esses escritos foram redescobertos, especialmente por causa de Poggio. O trabalho do professor Pierre Gassendi, que usou o atomismo para atacar o cartesianismo, também ajudou a divulgar o epicurismo.
A filosofia epicurista também ganhou um impulso no ocidente da partir do ano 1738, quando foi encontrada a cidade de Herculano, que havia sido soterrada pela erupção do vulcão Vesúvio no ano 79 d.C. Na cidade havia uma biblioteca com vasta obra de Epicuro. A maioria das obras havia sido carbonizada pela lava, mas o pouco que restou causou grande impacto sobre a intelectualidade.
No século 19, a teoria atômica foi definitivamente resgatada e serviu de base para boa parte da física moderna.


Aforismos

A maior parte do pensamento de Epicuro sobreviveu graças aos aforismos, pequenas frases que resumem sua filosofia. Conheça alguns dos aforismos epicuristas.
 “Há também mundos infinitos, ou semelhantes a este ou diferentes. Uma vez que os átomos são infinitos e são levados aos espaços mais distantes, não há nada que impeça a infinidade de mundos.”
“Nem a posse de riquezas, nem a abundância de coisas, nem a obtenção de cargos ou poder produzem a felicidade e a bem-aventurança; produzem-na a ausência de dores, a moderação dos afetos e a disposição de espírito que se mantenha nos limites impostos pela natureza.”
“Se queres enriquecer Pítocles, não lhe acrescentes riquezas: diminui-lhe os desejos.”.
“Encontro-me cheio de prazer corpóreo quando vivo a pão e água e cuspo sobre os prazeres da luxúria, não por si próprios, mas pelos inconvenientes que os acompanham.”
“A quem não basta pouco, nada basta.”
“A justiça não tem existência por si própria, mas sempre se encontra nas relações recíprocas, em que exista um pacto de não produzir ou sofrer dano.”
“As leis não existem para os sábios, mas para impedir que estes recebam injustiça.”
“De todas as coisas que nos oferece a sabedoria para a felicidade de toda a vida, a maior é a aquisição da amizade.”
“O justo é sumamente sereno; o injusto, cheio da maior perturbação.”

Parceria Gian Danton - Joe Bennett é destaque em entrevista na revista The Imortal Hulk

 

O número mais recente da revista The Imortal Hulk trouxe uma entrevista com o desenhista paraense Joe Bennett. O traço do Bené tem se destacado na revista, levando o gigante esmeralda a uma popularidade poucas vezes vista - com tiragens esgotando completamente. Aliás, um sucesso de público e de crítica, com jornalistas especializados se derretendo em elogios para o traço do Bené e o roteiro do inglês Al Ewing. Na entrevista, Bené cita nossa parceria e diz que o que está fazendo é voltar ao traço de terror da época em que trabalhava em parceria comigo em editoras brasileiras.

A arte extraordinária de Nilson Muller

 

Nilson Muller é um dos mais importantes ilustradores publicitários do Paraná. Foi o primeiro cenógrafo de televisão do Paraná e durante vários anos atuou como desenhista free-lancer para o mercado editorial e publicitário. Ele desenhou o álbum do Palhaço Zequinha, foi o criador do personagem Zé Gotinha, colaborou para a logo do Açúcar Diana e foi um dos criadores do personagem “O Gralha”. Atualmente, aos 75 anos, trabalha com ilustração digital e como artista plástico. Sua arte pintada se destaca pela beleza, riqueza de detalhes e perfeição anatômica, além da ótima composição. Confira o trabalho desse grande mestre. 

Jornada nas Estrelas – O Filme

Na segunda metade da década de 1970, a ficção científica era o tema da moda. Star Wars tinha se transformado em um arrasa-quarteirão que inaugurava uma franquia, e Contatos Imediatos do Terceiro Grau, de Steven Spielberg, mostrava que era possível fazer ficção científica de sucesso sem naves explodindo e tiros de laser. Parecia o cenário ideal para um filme de Jornada nas Estrelas.

A ideia de produzir um longa-metragem da série era antiga, mas ninguém parecia encontrar o roteiro ideal. Uma lista de roteiristas encomendada pela Paramount incluía nomes como Francis Ford Coppola, George Lucas, Ray Bradbury e Harlan Ellison, e foram produzidos diversos argumentos, todos rejeitados.

No final, o que acabou prevalecendo foi uma premissa de Gene Roddenberry sobre um ser superpoderoso que se aproxima da Terra para destruir toda a humanidade. Mas as mudanças no roteiro eram tão constantes que muitas vezes os ajustes eram feitos antes das filmagens, sendo necessário anotar o horário exato para saber qual era a versão mais recente.

A trama reciclava um argumento da 2ª temporada da série clássica (especificamente do episódio Nomade), sobre uma sonda espacial terrana que se funde a uma inteligência robótica alienígena e passa a eliminar toda forma de vida. No filme, a sonda é V'ger, nada menos do que a Voyager, a sonda enviada pela NASA em 1977 para recolher informações sobre o universo.

Dois novos personagens, Ilia e Decker, tiveram papel fundamental no filme. 

Dois personagens acrescentados para a versão cinematográfica tornaram-se fundamentais na história: a tenente Ilia (Persis Khambatta) e o comandante Willard Decker (Stephen Collins). Ali pelo meio da narrativa, a entidade se apropria de Ilia e a transforma em uma sonda viva para monitorar a Enterprise. A atriz indiana, com a cabeça totalmente raspada, deu um ar marcante ao papel, convencendo plenamente com sua postura robótica.

O renomado diretor Robert Wise chegou a afirmar que gostou da história, mas que se interessava mesmo pelo aspecto visual e pelas possibilidades de efeitos especiais. E esse é justamente o maior problema do filme. Só a apresentação da Enterprise no estaleiro dura quinze minutos, uma das muitas cenas longuíssimas de efeitos especiais que tornam o longa arrastado e monótono, como se fosse a obra de alguém fascinado pela técnica que colocava a história em segundo plano.

O roteiro também apresenta falhas, especialmente na primeira parte, provavelmente como consequência das diversas reescritas. Quando Decker e Ilia se encontram pela primeira vez, o diálogo entre eles soa totalmente sem sentido:

“O capitão Kirk tem total confiança em mim”, diz ele.

“Meu juramento de celibato consta na ficha, capitão”, informa ela.

Acrescenta-se a isso o figurino com macacões que parecem pijamas pochete de metal sem qualquer utilidade, que hoje parecem ridículos.

Apesar dos problemas de roteiro e do excesso de efeitos visuais, o filme empolga e prende o espectador a partir da metade, em uma trama que envolve perigo, filosofia e amor.

Jornada nas Estrelas o filme poderia ser uma ótima obra se durasse uma hora a menos.

O traje do Homem-aranha de Roy Thomas

 

Roy Thomas e sua primeira esposa Jeanie Thomas no Hallowen de Rutland, VT, em 1969

Roy Thomas é um dos principais roteiristas dos quadrinhos norte-americanos e foi um dos principais editores da Marvel. Ele escreveu praticamente todos os personagens da editora, tornando-se imensamente famoso por seu trabalho em Conan, que ele escreveu por mais de uma década. Mas uma face pouco conhecida do escritor foi revelada pelo blog Hero Envy: Roy Thomas foi também um dos primeiros cosplays da Marvel. Isso graças a um traje que ele ganhou de Sol Brodsky. O traje havia sido encomendado pela Marvel para ser usado por um ator no Desfile de Ação de Graças da Macy's. Mas o ator ficou bêbado e não desfilou. Assim, o traje acabou sendo doado para Thomas, que o usou no Halloween em Rutland, Vermont e em convenções de quadrinhos. 

Thomas usando o traje em uma convenção de quadrinhos, junto com fãs fazendo cosplay dos X-men.

Esse evento era famoso por ter tirado o foco das bruxas e monstros e colocado em seu lugar super-heróis. Pessoas de todo o país iam participar do evento fantasiadas de super-heróis, inclusive gente da indústria. E Roy Thomas foi um dos pioneiros. Roy Thomas chegou a se colocar em uma história dos Vingadores vestindo o traje. 

Roy e sua segunda esposa, Dann Thomas

Em outra história, dos Defensores, ele aparece sem o traje, mas a história se passa no Halloween em Rutland. Ah, a Marvel também doou para o roteirista um traje da Mulher invisível, que foi usado tanto pela primeira quanto pela segunda esposa de Thomas em vários eventos. 

O traje chegou a aparecer até em uma revista da Marvel. 

A cor que caiu do espaço

 

Lovecraft considerava A cor que caiu do espaço como uma de suas melhores obras. Não é por menos: essa novela é um exemplo perfeito de tudo que o autor considerava como ideal em uma história de terror. Segundo ele, tudo que o conto fantástico almeja é pintar, de maneira séria, “o retrato convincente de um determinado sentimento humano”. Segundo ele, a atmosfera, e não a ação, é o que deve ser cultivado no conto maravilhoso.

Em A cor que caiu do espaço, um meteorito cai numa fazenda de onde saem pequenas luzes indefiniveis. Com o tempo o local passa a ser dominado por uma estranha presença, que enlouquece os humanos, envenena as plantas e mata os animais. 

A história é narrada por um engenheiro que vai fazer observação para a construção de uma barragem que irá inundar o local. Ele ouve a narrativa da boca de um vizinho do local onde caiu o meteorito.

É uma construção lenta de ambientação, com os fatos, que inicialmente parecem inofensivos, se acumulado para criar uma a sensação de terror. Lovecraft abusa das descrições que não dizem nada (nos nunca sabemos como eram as tais cores) mas ajudam a criar o clima de estranhamento, uma atmosfera de terror. Mesmo em momentos mais narrativos o objetivo do autor parece ser muito mais criar uma ambientação do que descrever os fatos. Um exemplo: “em um instante febril e caldedoiscópico irrompeu da fazenda condenada e maldita um cataclismo eruptivo de centelhas e substâncias sobrenaturais, que ofuscou a visão dos presentes e lançou em direção ao zênite uma nuvem explosiva de fragmentos coloridos e fantásticos renegados pelo universo que conhecemos”.

Essa história foi publicada em formato de bolso pela editora Hedra em 2011. O volume inclui também dois textos autobiográficos de Lovecraft e um texto sobre a ficção interplanetária.

Batman – Atiraram no senador!

 

No número 85 da revista The Brave and the Bold, Batman se encontrou com o Arqueiro Verde em uma trama política.

A história começa com um senador baleado durante um comício e caindo nos braços de Bruce Wayne. Ocorre que esse senador quer aprovar um projeto anti-crime e com isso gerou a ira do mafioso Miklos Minotaurus, responsável pelo atentado. Mais: o governador quer que Wayne assuma o cargo de senador para votar a favor do projeto (alguém sabe me dizer se realmente é assim que funciona nos EUA?).

A história inica com um atentado. 

Por outro lado, o mesmo mafioso está concorrendo em uma licitação contra a empresa de Oliver Queen, o Lanterna Verde, o que faz com o empresário também sofra um atentado.

Dessa forma, tanto o Arqueiro Verde quanto Batman são envolvidos na história.

Mas esse é um roteiro de Bob Haney e, claro, tinha que ter alguma coisa bizarra.

Bruce Wayne revela que é Batman. 

Tanto Queen quanto Wayne entram numa crise pessoal, incapazes de decidir entre suas identidades civis e super-heroiesca. E o que eles fazem? Vão consultar um psicólogo e revelam suas identidades! Exatamente o mesmo psicólogo (filho do senador baleado logo no início da história). Com essa facilidade com que eles revelam quem são, é surpreendente que alguém ainda não saiba essa informação.

As melhores sequências são com o Arqueiro 

Apesar dessa situação grotesca, a história até que se desenvolve bem, com várias cenas de ação na qual brilha a estrela do desenhista Neal Adams. Algumas das melhores cenas são aquelas com o Arqueiro Verde, o que demostra bem o enorme carinho que o artista tinha pelo personagem. No ano seguinte ele começaria a desenha a antológica série do Arqueiro e do Lanterna, com roteiro de Denni O´Neil.