O escaravelho do diabo

 

 

Um dos livros mais célebres da coleção Vaga-lume era O escaravelho do diabo, de Lúcia Machado de Almeida.

A história foi publicada originalmente em capítulos, no ano de 1953, na revista Cruzeiro. Mas se tornou realmente popular quando foi publicada em 1974 pela editora ática, dentro da coleção vaga-lume. Na década de 1980, auge da coleção, tornou-se um dos títulos mais vendidos.

Na trama, a pequena cidade paulista de Vista Alegre é aterrorizada por uma série de assassinatos. Antes das mortes, o criminoso envia para a vítima um besouro – e o nome científico do mesmo indica como acontecerá o crime. O protagonista é um jovem estudante de medicina, Alberto, cujo irmão é a primeira vítima do assassino. É ele quem descobre a relação entre os besouros e os crimes e é quem passa a ajudar a polícia a decifrar o enigma.

Lúcia Machado de Almeida era uma escritora primorosa, cujo estilo marcou a literatura infanto-juvenil brasileira, influenciado muitos outros autores posteriores. Embora seja uma história de crimes, o livro é contado de maneira leve para agradar o público mais jovem.

Uma curiosidade é que esse livro é, provavelmente, um dos primeiros da literatura nacional a descrever um psicopata: “O assassino, certamente um anormal, raciociona com lucidez e possui inteligência fora do comum. De outro modo, jamais planejaria e levaria a cabo crimes tão perfeitos e que não deixam o menor vestígio. Possivelmente deve ser alguém igual a nós, de comportamente, aparentemente normal, alguém que arquitetou um plano e estudou-o com calma e tempo nos seus mínimos detalhes”.

Escrito na década de 50, a obra tem alguns aspectos que parecem estranhos hoje em dia. Motorista de taxi, por exemplo, é chamado de chofer. Em uma sequência, é necessário ligar para a polícia e não há nenhum telefone em todo o bairro, fazendo com que a pessoa se desloque pessoalmente à delegacia. Ainda assim, é um livro prende a atenção, especialmente pelo suspense criado sobre o que está de fato acontecendo. É uma trama que instiga a imaginação do leitor.

Infelizmente, embora a descrição do perfil psicológico do assassino fosse totalmente inovadora e incrivelmente acertada para a época, a descoberta do assassino e da motivação do caso passava longe disso. Compreensível, considerando-se que na década de 50 a psicologia praticamente desconhecia a psicopatia. É de se imaginar como a autora teria terminado o livro se tivesse acesso ao que se sabe hoje sobre o assunto.

J. Kendall – Uma história em pedaços

 

Publicada no número 143 da revisa Júlia Kendall, “Uma história em pedaços” é um ótimo exemplo do melhor que essa personagem apresenta: uma mistura de história policial com ótimo desenvolvimento de personagens e diálogos incrivelmente geniais.

Na trama, os responsáveis pelo setor de bagagens de uma estação de trem estão abrindo malas no setor de achados e perdidos com o objetivo de roubar objetos de valor. Mas acabam se deparando com uma mala onde foi guardada uma perna humana.

Uma trama paralela mostra a irmã de Júlia envolvida com um traficante. 

A polícia de Garden City é imediatamente acionada e, junto com ela, a criminóloga Júlia Kendall. Outras partes do corpo vão sendo descobertas no Correio, por exemplo.

O desafio é imenso: é necessário descobrir a identidade do morto e descobrir o assassino e sua motivação. A imagem da capa, com Júlia montando um quebra-cabeça é perfeita nesse sentido. De fato, para desvendar esse crime é necessário montar um quebra-cabeça.

A história faz uma homenagem aos clássicos do faroeste. 

Um dos indícios são os nomes usados pelo assassino para despachar as partes dos corpos: os verdadeiros nomes de John Ford e de John Wayne, o diretor de Os brutos também amam. Isso inclusive é usado para colocar, dentro da HQ, uma cena desse último filme, numa bela homenagem de Berardi ao clássico do cinema.

Drácula - A noite da vampira

 

 

O número 1 da revista Giant-Size Chillers Featuring Curse of Dracula apresentou uma personagem nova na era Marvel: Lilith, a filha de Drácula.

A personagem aparece de uma forma aparentemente aleatória: uma moça está sendo agredida pelo pai por estar grávida. Ela se casara com um rapaz em segredo e o pai não aceitava nem a gravidez nem o casamento. À certa altura, o pai derruba o garoto, que bate a cabeça na parede e morre.

Então vemos a garota de costas, debruçada sobre o morto. Como ela está de costas, não vemos seu rosto. Ela diz: “Você matou ele, pai. Ele tá morto. A cabeça dele bateu na parede. Deus, meu Deus... você matou ele. Portanto, querido pai, você não me deixa nenhuma opção. Deve compreender, claro...”. Na página seguinte, numa imagem de impacto que ocupado dois terços da página, vemos que a garota ruiva se transformou numa mulher de cabeços pretos, roupa escura e dentes caninos pronunciados: “... que tenho que matá-lo!”, diz ela, completando a frase da página anterior.

A primeira aparição da filha de Drácula

É a primeira image de Lilith e à primeira leitura, parece estranho. Mas, lá na frente, quando é contada a origem da personagem, tudo faz sentido.

Lilith é filha da primeira esposa de Drácula. Como se tratava de um casamento arranjado, o Conde odiava a esposa. Com a morte de seu pai, que havia forçado o casamento, Drácula a expulsa do castelo. A mulher procura uma cigana e lhe entrega a criança para ser criada e logo após comete suicídio.

Nesse meio tempo, o Conde inicia uma cruel perseguição aos ciganos em seus domínios. Como vingança, a mulher resolve transformar a menina numa vampira: “Seu pai é um vampiro e você também se tornará um. Mas jamais temerá o sol... nunca precisará fugir de um crucifixo. E sua alma continuará viva até o dia em que ele morrer... se você morrer, busque outro corpo onde renascerá... um corpo inocente como o seu, que deseje a morte do próprio pai”.

Drácula odiava a primeira esposa. Lilith é fruto desse relacionamento. 

Só então entendemos o surgimento da personagem: morta, ela se aproveitou dos sentimentos da garota ruiva para ressurgir.

Dois aspectos ganham importância nessa trama: o ótimo texto de Marv Wolfman, que consegue criar perfeitamente uma ambientação, na melhor tradição do terror, como no trecho: “Se planetas chorassem, o fariam essa noite. Se a terra pudesse se erguer em fúria, terremotos eclodiriam por todas as partes”.

O outro aspecto é o desenho de Gene Colan, repleto de sombras e linhas e figuras ondulantes, que parecem saltar da página como morcegos prestes a nos morder. 

A criada

 

A criada é o novo filme do cineasta sul-coreano ParkChan-Wook, conhecido no Brasil por Oldboy. A trama se passa durante a II Guerra Mundial, quando a Coréia foi invadida pelo Japão e trata de um golpe: um falso conde pretende conquistar uma rica moça japonesa, casar com ela e interná-la em hospício, apropriando-se de sua fortuna. Para isso, ele introduz na casa uma criada de confiança, que o ajudará em seus planos. A moça vive em uma mansão construída por seu tio, um pervertido, que treinou a sobrinha para ler contos eróticos para uma plateia seleta e pretende se casar com ela para ficar com sua herança. O golpe, entretanto, se complica quando a criada se apaixona pela patroa.

O filme é construído em três atos, cada um mostrando o ponto de vista de um personagem – e aí está a grande sacada do roteiro: uma mesma cena adquire outros significados de acordo com o olhar de cada personagem. Isso permite ao diretor introduzir viradas na trama, surpreendendo o expectador quando ele parece ter certeza do que está acontecendo.

A única certeza desse filme é: nada é o que aparenta ser.  

Soma-se a isso a ambientação estranha, uma mistura de roupas e arquitetura inglesas, coreanas e japonesas, os personagens bizarros, a sensualidade única, o cuidado apurado com o cenário e suas simbologias e a violência, que finalmente explode no final – tudo é desconcertante nesse filme.

A criada é um daqueles tesouros escondidos da Netflix.

Surfista Prateado – o juízo final

 

Todo quadrinista tem o seu personagem predileto. O de Stan Lee é, sem dúvida, o Surfista Prateado. Tanto que, em 1982, quando John Buscema resolveu fazer uma graphic novel do personagem, ninguém se atreveu a escrever o texto. Esse só podia ser um trabalho para Stan Lee.

A história traz de novo personagens já conhecidos na saga do surfista, como Galactus e Mefisto. Mas acrescenta outro: Nova, a humana que se candidatou a se tornar arauto de galactus.

A história começa com o Surfista sendo tentado por Mefisto. 

Em certo momento, o Surfista e Nova se encontram e se encantam um com o outro. Nova é descrita como “Tão jovem, tão adorável, tão transbordante de vida”. A atração mútua é consequência das diferenças entre os dois. Em contraste com a natureza melancólica do surfista, Nova parece uma criança despreocupada maravilhada com o poder cósmico. Mas ambos têm algo em comum: a preocupação com a vida. A nova arauta do Galactus escolhe para ele apenas planetas que não têm vida.

O herói se encata pela nova arauta de Galactus

Mas uma trama de Mefisto faz com que ela mude completamente. Enfeitaçada pelo demônio, ela passa a levar o deus até planetas repleto de espécies vivas e cabe ao Surfista detê-la.

Um dos aspectos interessantes dessa graphic é o fato dela ter sido feita toda com quadro por página. Não é uma novidade, como diz Stan Lee em sua apresentação. No Brasil Carlos Zéfiro já fazia isso décadas antes. Mas funciona muito bem para destacar a arte do incrível John Buscema. E deve ter sido um desafio imenso colocar texto em imagens que por si só já narram a história. Um desafio que Lee supera facilmente, como se observa no trecho: “Como explicar uma batalha onde forças colidem enquanto as próprias galáxias estremecem e se convulsionam num agonizante caos? Não há palavra conhecidas por qualquer ser vivo capazes de exprimir a selvageria de tamanho espetáculo”.

Perry Rhodan – O soro da vida

 

Com o fim do primeiro ciclo Perry Rhodan, as tramas com grandes batalhas espaciais pareciam ter chegado ao fim. Afinal de contas, os principais inimigos de Perry Rhodan acreditavam que a Terra tinha sido destruída. Assim, o segundo ciclo passou a focar mais em histórias de espionagem, a exemplo de O soro da vida, segundo volume do ciclo.

Na história, escrita por Kurt Brand (em sua estréia na série), Rhodan manda dois dos integrantes do exército de mutantes, John Marshall e Laury Maten para o planeta Tolimon para tentar roubar dos aras o segredo do soro da vida. A razão disso é que, embora Rhodan e seus mutantes tenham conseguido do ser Aquilo a ducha celular, que faz com que eles não envelheçam, isso foi negado aos arcônidas Crest e Thora.

Como dito, é uma trama de espionagem. Laury se faz passar por uma jovem cientista arcônida e consegue um estágio no laboratório onde os aras estão desenvolvendo o soro ultra-secreto.

A capa alemã mostra os aras fazendo experiências com um dos seres aprisionados no zoológico. 

Tolimon era um gigantesco zoológico onde os aras aprisionavam seres dos mais diversos mundos, com os quais faziam suas experiências científicas. Se nas edições anteriores a correlação entre os aras e os cientistas nazistas era apenas insinuada, aqui ela é totalmente clara. Afinal, na história humana, os únicos que aprisionavam pessoas para fazerem experiências científicas eram os nazistas, a exemplo do famoso Joseph Menguele.

Entre os diversos seres raptados e aprisionados no zoológico dos aras estão quatro humanos. Um esses humanos aprisionados estava o Conde Rodrigo de Berceo, filho de uma princesa asteca e um nobre espanhol. Nascido no século XVII, aos 22 anos ele fora raptado e levado ao planeta zoológico. Recebera uma versão experimental do soro, que funcionara, e por isso não havia envelhecido.

Em uma situação inusitada, a mutante Laury se apaixona por ele e resolve tirá-lo do zoológico, motivada principalmente por que em breve ele seria levado pelos aras para uma nova fase das experiências, que poderia terminar com sua morte ou idiotização.

Salvar o conde, entretanto, poderá colocar a missão em risco.

Uma curiosidade sobre esse volume é que ele provavelmente foi publicado no Brasil com a capa trocada. O conde e Laury aparecem na capa do volume 52, enquanto que nesse volume, aparece Gucky, que sequer participa da história. Como o mesmo problema se verifica na edição americana, é possível que os editores americanos trocaram as capas – e o erro foi repetido pela Ediouro.

Bohemian Raphsody

 

Confesso que acompanhei pouco a carreira do Queen (exceto, claro, a música tema de Flash, provavelmente a melhor coisa do filme). Assim, para mim o filme de Bryan Singer foi uma agradável surpresa. Diretor, roteiro, tudo afinado. Mais do que uma biografia, é um musical. O filme se debruça menos em contar a história do grupo e mais nas razões de seu sucesso. A voz incrível e a interação com a platéia (transformando-a em parte do show), a banca competentíssima. Músicas inteiras são tocadas, em especial, e isso não parece enrolação. Há tempos não via um musical tão bem conduzido. E a caracterização de Rami Malek como Fred Mercury é simplesmente impressionante. É como se tivessem clonado o cantor. 
O final, com a apresentação no Live Aid é apoteótico. 
No entanto, é curioso observar como tanta coisa mudou de lá para cá. Em 1985 uma das maiores figuras da música era um refugiado paquistanês gay, tendo o seu maior momento em um evento em prol das pessoas que passavam fome na África. Hoje, a intolerância é cada vez maior, refugiados são tratados como escória e se fala em guerra contra países em que pessoas passam fome.

Thor e Loki atacam a raça humana

 

Embora posteriormente Thor se tornasse um dos personagens mais interessantes e consistentes da Marvel, no início era muito comum histórias que beiravam a vergonha alheia, em especial na fase em que Kirby havia saído do título e Lee estava só nos argumentos.

Um exemplo disso é Thor e Loki atacam a raça humana, publicado em Journy in to Mistery 94, com diálogos de Robert Bernstein e desenhos de Joe Sinott.

A capa mostra Thor e Loki na sede da ONU. Thor levanta o Mjorn e diz: “Qualquer homem que erguer sua mão contra Loki também terá de enfrentar Thor!”. O deus da trapaça cruza os braços, aproveitando seu momento de glória e pensa: “Fiz Thor pensar que sou seu amigo! Mas quando servir ao seu propósito, ele será minha próxima vítima!”.

Algumas sequênciam beira o humor involuntário. 

Se essa capa já não fosse estranha o suficiente, na splash page inicial Thor encosta o dedinho na torre de Pisa, enquanto pedras caem. Algumas pessoas fogem desesperadas, enquanto alguém grita: “Fujam! Salve-se quem puder!”. A cena toda beira o humor involuntário.

E como Loki fez com que Thor virasse seu aliado? Com uma pancada na cabeça, dada pelo próprio Mjorn, que volta enquanto o deus do trovão está socando uma ilusão criada pelo deus da trapaça. A partir daí, Thor faz tudo que o outro quer. Mas como Loki poderia saber qual o local correto que o martelo deveria bater? Não importa, diriam os autores.

Com a personalidade modificada, Thor vai para Asgard libertar Loki e no caminho, enquanto atravessa a ponte do arco-íris, dá um soco em Heindall. Ele teria entrado da mesma maneira, mas resolve dar o soco para não perder a viagem.

Então temos Odin tentando esganar Loki, Thor salvando-o. Depois o deus do trovão e Loki vão para a terra, onde tocam o terror. Thor destrói o Taj Mahal, esfacela a torre Eiffel enquanto Loki dá vida à esfinge, que destrói as ruas do egito. Isso que é maneira de uma dupla de irmãos se divertirem!

Thor e Loki botam pra quebrar. 

Claro que no final Thor volta a ser bonzinho e a história termina com o deus do trovão jogando seu martelo na cabeça de Loki. Mas se a martelada tinha feito com que Thor ficasse mau, a martelada não muda nada na personalidade de Loki.

Joe Sinnott era um ótimo arte-finalista, mas como desenhista deixava muito a desejar, da mesma forma que Bernstein nos roteiros.

Imagina como os leitores da época deveriam ansiar pela volta da dupla Kirby-Lee.  

Homem-Animal – O demônio e o mar profundo

 

 

Uma das histórias mais interessantes da fase de Grant Morrison à frente do Homem-Animal é um conto singelo sobre como o personagem tenta impedir a caça a golfinhos nas ilha Faroe.

Chamada de  'grindgráp', essa caçada é feita há séculos. Barcos formam um semi-círculo em volta de golfinhos em migração, forçando-os na direção da praia. Lá eles ficam encalhados na areia e se tornam presas fáceis. Centenas às vezes milhares de golfinhos são mortos, fazendo com que a água fique tingida de sangue. Embora essa atividade antigamente fosse uma forma de conseguir comida, hoje em dia é apenas uma diversão sangrenta.

Algumas páginas trazem a narrativa de um golfinho. 

Na história, o Homem-Animal se une a um grupo de ecologistas que pretende sabotar a caçada daquele ano. Uma segunda heroína, chamada Delfim, se une ao grupo.

Morrison traz algumas sequências com a narrativa de um golfinho e simula seu pensamento em um texto sem pontuação: “Harmonias de dor uma tempestade de ruídos confusão sofrimento frenesi agonia”.

A história é sobre o massacre de golfinhos na ilha Faroe. 

Esse golfinho, aliás, tem a companheira e o filho mortos por um dos pescadores, justamente aquele que o Homem-Animal, enfurecido, leva pelos ares e joga no meio do oceano. E o golfinho, que tinha todos os motivos para se vingar, acaba salvando o pescador. A narrativa do golfinho diz que o modo de ser dos tristes homens é a matança, o demarramento de sangue de inocentes: “O nosso modo é diferente”.

O roteiro surpreende o leitor ao mesmo tempo em que constrói uma fabula moral e deixa em aberta uma pergunta: somos de fato os seres mais inteligentes do planeta?

Os heróis tentam impedir a caçada afastando os golfinhos da costa.

Tudo isso é feito sem as tramas complicadas que caracterizariam Morrison no futuro. A história é comovente em sua simplicidade. Embora seja pouco lembrado, vale destacar o papel dos desenhistas Chas Troug e Doug Hazlewood nesse resultado. O traço aqui não tem nada de revolucionário ou chamativo. É um traço unicamente a serviço da história que está sendo contada.

Essa história foi publicada no número 15 da edição americana e, no Brasil, no número 26 da DC 2000.

A arte versátil de Joe Maneely

 

Se não tivesse morrido jovem, Joe Maneely teria sido um dos grandes artistas da Marvel, rivalizando com Jack Kirby e Steve Ditko. Nascido em fevereiro de 1926, na Pensilvânia, ele começou a trabalhar com quadrinhos e charges na Segunda Guerra Mundial, produzindo tiras para uma publicação da Marinha dos EUA.

Maneely entrou na Atlas, que viria a se tornar a Marvel, no início da década de 1950. Seus primeiros trabalhos foram em revistas de faroeste. Rápido e versátil, o desenhista logo caiu nas graças do editor e roteirista Stan Lee, que passava cada vez mais trabalhos para ele, incluindo capas e HQs nos mais diversos gêneros. Nesse período, os quadrinhos de super-heróis estavam em declínio e a Atlas publicava histórias de ficção científica, infantis, humor (no estilo MAD), românticas e de monstros. Maneely se saía bem em todas, adaptando seu traço ao tipo de história.

Com o tempo, ele desenvolveu uma técnica única que lhe permitia produzir sete páginas por dia e uma edição inteira em três dias. O segredo: ele fazia apenas um esboço da imagem e já partia direto para a arte-final. Apesar dessa técnica extremamente rápida, seu traço tinha um nível de detalhes absurdo e um acabamento exemplar.

Maneely também era um especialista em quadrinhos históricos, como se podia ver nas HQs de faroeste, que reproduziam com perfeição as armas e roupas da época. Não por acaso, um dos personagens criados por ele e por Stan Lee que ganhou sobrevida na Era Marvel foi o Cavaleiro Negro.

Joe Maneely morreu em 7 de junho de 1958, com apenas 32 anos. Ele tinha acabado de ser dispensado pela Atlas e tinha perdido seus óculos, o que deve ter contribuído para que ele caísse do trem. Quando foi encontrado, ele ainda segurava sua pasta de desenhos. Stan Lee disse que, se tivesse vivido, Maneely "teria sido outro Jack Kirby. Ele teria sido o melhor que você poderia imaginar".

Stan Lee - o reinventor dos super-heróis

 

Stan Lee é uma das figuras mais importantes da cultura pop ocidental. Foi co-criador de alguns dos personagens mais famosos dos quadrinhos, entre eles Thor, Hulk, Homem de Ferro e o Homem-aranha. Seu estilo de produzir quadrinhos foi revolucionário para a época ao introduzir a cronologia nas histórias e personagens humanos cheios de defeitos influenciou gerações inteiras de artistas e até produções cinematográficas (o recente filme dos Vingadores é exemplo disso). Além disso, seu estilo de auto-promoção levou os leitores a reconhecerem os artistas das histórias (antes dele muitas HQs não eram nem assinadas) e comprarem os gibis por causa da equipe criativa. Foi o primeiro roteirista de quadrinhos a se tornar uma celebridade, abrindo caminho para astros como Alan Moore e Neil Gaiman. É esse homem cativante e muitas vezes polêmico que Roberto Guedes retrata em Stan Lee, o reiventor dos super-heróis (Kalaco, 160 páginas). O livro é escrito de maneira fluida e divertida, lembrando inclusive o texto do próprio biografado, principalmente nas fases de efeito.

Guedes acompanha seu personagem desde a infância pobre em Nova York até o estrelato ao participar das milionárias produções de Hollywood. Algo que fica claro na leitura é que Lee é não só um grande escritor, mas um verdadeiro vendedor de ideias, alguém capaz de entusiasmar as pessoas ao seu redor.

O livro relata uma experiência que parece ter sido fundamental nesse processo. Quando criança, um colega de escola pediu para entrar na turma para vender a assinatura de um jornal. Ele foi tão empolgante em sua explanação que Lee assinou o jornal na hora. Foi além: usou-o como referência em sua atuação profissional nos quadrinhos.

Outro acontecimento que parece ter marcado profundamente o garoto foi uma carta enviada ao jornalista Floyd Gibbons, do Chicago Tribune, um herói nacional por sua cobertura da atuação dos EUA na I Guerra Mundial (ele chegou a perder um olho ao ser alvejado). O jornalista não só leu sua carta, como a respondeu.

Quando comandou a revolução da Marvel nos anos 1960, Lee fez da seção de cartas uma das grandes atrações das revistas: "As seções de cartas da concorrência eram uma chatice só. Se algum leitor reclamava de algo, o editor mandava aquela: 'seria bom você reler a história, pois é evidente que você não a entendeu', mas nas da Marvel nós respondíamos assim: 'Sabe que você tem razão? Na próxima edição publicaremos uma história tão boa que o fará esquecer-se dessa', e os leitores adoravam isso, pois entendiam que sua opinião era levada em conta, que eles eram respeitados".

Lee passou por diversos empregos, inclusive lanterninha de cinema, antes de entrar na editora Timely, com 17 anos. Lá ele conheceu Jack Kirby, o rei dos quadrinhos, que o achou intrometido e tagarela e concluiu que ele só poderia estar ali por ser parente do dono. Quando este e seu parceiro Joe Simon foram para a DC Comics, o cargo de editor ficou vago. O dono da editora, Martin Goodman perguntou a Stan: "Você acha que pode encarar o trabalho enquanto procuro um adulto?". Stan ficou no cargo por décadas.

Nem toda essa época foi boa. Logo depois da guerra os super-heróis caíram em desgraça e até campeões de popularidade, como o Capitão América tiveram de ser cancelados. Para piorar, Goodman vendeu sua distribuidora, passando suas revistas para outra distribuidora, que faliu duas semanas depois. O jeito foi usar o esquema de distribuição da National (atual DC Comics), que colocou uma condição para a rival: só podiam ser publicadas 12 revistas. Para uma editora que publicava 80 títulos foi um baque e tanto.

A Marvel só voltaria a se levantar no início dos anos 1960. Nessa época, Goodman tinha o costume de jogar golfe com os chefões da National, e ouviu de um deles que o gibi da Liga da Justiça estava vendendo muito bem. Ele correu para a editora e encomendou uma imitação para Stan. "Goodman jamais permitiria qualquer ousadia conceitual em qualquer um de seus títulos. Tudo sempre girava em torno de copiar alguma fórmula já pronta, de ir à esteira de algum sucesso do momento, de simplesmente fazer o pastiche nosso de cada dia", escreve Guedes.

Foi a esposa de Lee que o convenceu a produzir o Quarteto Fantástico: "O pior que pode acontecer é o Martin te demitir. E você quer pular fora de qualquer jeito".

A revista foi publicada e se tornou um sucesso absoluto. Além da arte revolucionária de Jack Kirby, em que a ação parecia explodir nas páginas, havia heróis imperfeitos, com personalidade, problemas. E havia a continuidade. Se um personagem quebrava um braço em uma edição, no número seguinte, aparecia com o gesso. Isso tudo junto fazia o púbico vibrar - e faz até hoje.

O livro de Guedes analisa a criação destes e de outros personagens, mostrando os bastidores e detalhado o método Marvel de produção (em que o roteirista entrega apenas uma sinopse ao desenhista e depois coloca o texto sobre a página pronta).

Como não poderia deixar de ser, o livro não ignora as polêmicas, como a suposta briga de Jack Kirby e Steve Ditko com a Marvel e com Stan Lee em particular. O autor não é imparcial quanto a isso. Deixa claro que a saída de Steve Ditko do Homem-aranha se deveu à diferença filosófica entre os dois criadores: Lee era um humanista e Ditko um conservador, que colocava críticas aos hippies nas histórias do aracnídeo e do Dr. Estranho (uma burrada, pois os dois personagens eram os prediletos da juventude da época). Lee mexia nas histórias através do texto. "Não mude minhas histórias!", reclavama Ditko. Um dia se encheu e foi embora. O episódio mostra que Stan Lee não só era um grande roteirista, mas também um especialista em marketing

Quanto a Jack Kirby, Roberto Guedes deixa a entender que a esposa do desenhista poderia ter sido influenciado pela esposa em suas declarações (ele chegou a dizer que havia criado todo o universo Marvel sozinho e que Stan Lee nunca escrevera uma palavra). Mesmo defendendo o biografado, Guedes deixa clara a importância desses dois desenhistas para o sucesso da editora e lamenta a separação das duplas.

O livro, enfim, é delicioso. Li as 160 páginas em dois dias, sem conseguir parar. Contribui para isso o ótimo tratamento editorial: além da bela capa assinada pelo desenhista Seabra, a edição traz miniaturas coloridas das capas da Marvel nos EUA e no Brasil, além de fotos e mais fotos de Lee e outros artistas, sempre com a legenda irreverente de Guedes.

Uma leitura essencial para fãs de quadrinhos.

O incal negro

 

 

Confesso que a primeira vez que li O Incal, da coleção de um amigo, não cheguei nem ao final. Apersar do desenho impressionante de Moebius, a sequência de John Difool despencando na Alameda Suicida me pareceu forçada, assim como a seguinte. Mais recentemente resolvi dar uma chance à série, especialmente depois de ler a a saga dos Metabarões. E a percepção foi outra.

Na história, John Difool, um feio detetive de última categoria, é contratado para escoltar uma aristocrata ao nível vermelho, onde ela se esbalda nas mais diversas orgias. Mas o trato era levá-la de volta até a meia-noite, ou ele não receberia o dinheiro. A sequência era uma versão modernizada do mito da cinderela, com a diferença aqui que a bela moça se torna uma velha carcomida depois que a holomaquiagem desaparece.

A história começa na Alameda do suicídio, local onde as pessoas pulam para a morte. 

Difool é obrigado a atirar no parceiro da donzela e segue-se uma perseguição que o levará a encontrar um ser monstruoso. Este lhe entrega um objeto estranho que é nada mais nada menos que o Incal do título.

Mas todos no universo parecem estar em busca do tal Incal, um objeto de poder incomensurável, o que faz com que Difool se envolva em todo tipo de enrascada.

Difool é contratado para levar uma aristocrata para a zona vermelha, mas tudo dá errado. 

Nesse primeiro álbum, a ênfase é no humor, embora nos álbuns seguintes esse aspecto seja mais equilibrados.

Além do desenho incrível de Moebius, a imaginação de Jodorowsky é o ponto alto da série, com situações que parecem ter saído diretamente de uma alunicação misturada com ficção científica, como o presidente que muda de corpo de tempos em tempos, trocando corpos velhos e gordos por copos bonitos e sensuais.

O Governador muda de corpo de tempos em tempos. 

Apesar de ser uma história revolucionária em muitos sentidos, O Incal segue o padrão dos quadrinhos europeus, de suspenses seguidos, com Difool sendo colocado em situações das quais parece impossível escapar. E, claro, um suspense maior ao final de cada álbum. 

A primeira aparição do metabarão.

Neste primeiro, o Metabarão, o maior assassino da galáxia é contratado para encontrar o detetive, o que deixa um gancho de isso terminará com a morte do mesmo.